Statement

 

At the beginning of my art studies, images of abstract landscape spaces served as a kind of projection screen for personal experiences, thoughts and emotions. Reflections on transience, finiteness and the fragility of existence found their way into the paintings and photographs. Over time, through art- historical research and my own observations of nature, additional layers of meaning emerged. The exploration of the forces of nature, the sublime and the relationship between humans and nature became integral parts of the artistic practice.

I paint with oil on coarsely textured dark canvas as well as on reflective metal plates that make natural phenomena appear powerful and immaterial at the same time. Flowing transitions of color, darkness and light form an ephemeral image that appears differently according to changing lighting and spatial conditions. The landscape spaces suggested in these works do not serve as a stage for man. They contain no division into foreground and background, nor a perspective that guides the view into the distance. Instead, individual natural phenomena (such as clouds, water, light, or rain) become the protagonists of the painting and, as such, cover the entire surface. As a result of this absence of perspective, viewers seem to find themselves immersed within the depicted events. The scene cannot be surveyed from a detached position; rather, it invites an understanding of oneself as part of a larger whole, as part of nature, not as its counterpart.

The photography works also focus on single elements of the environment, but mostly a microcosm, like flies, moths, or the shimmering skins of fish. These motifs are captured with a high-resolution camera that can „see“ more than the human eye. By printing these macro-shots in large formats, details that usually get overlooked or can‘t be recognized become visible. They open up an entire cosmos, but a closer look reveals man‘s intervention. In trying to expand the boundaries of a conventional presentation of photography, I print on various materials, such as acrylic glass or raw aluminum plates, depending on the concept and content of the photograph. By using a UV printing process, which prints the brightest parts of a picture colorless, it is possible to truly integrate a part of the motif, like transparency or reflection, into the picture.

In recent years, I have been asking myself these questions: How have the forces of nature been represented throughout the history of painting? Are they merely a backdrop for human activity, or the central subject of the depicted event? What aesthetic approaches can be developed for the depiction of nature in the Anthropocene? What is the sublime of today? And how can nature, of which we are a part, be represented in a way that challenges and transcends the inherited notion of a separation between humanity and nature?

 

 

Zu Beginn des Kunststudiums war das Naturbild für mich eine Art Projektionsfläche für persönliche Erfahrungen, Gedanken und Emotionen. Reflexionen von Vergänglichkeit, Endlichkeit und einer Zerbrechlichkeit des Seins haben sich in die Malereien und Fotografien eingeschrieben. Mit der Zeit, im im Zuge kunsthistorischer Recherchen und eigener Naturbeobachtungen, sind weitere Ebenen hinzugekommen. Die künstlerische Auseinandersetzung mit Naturgewalten, mit dem Erhabenen sowie der Beziehung von Mensch und Natur sind Teil der künstlerischen Praxis geworden.

Ich male mit Ölfarbe auf grob strukturierten, dunklen Leinwandstoff sowie auf reflektierende Metallplatten, die natürliche Phänomene gewaltig und immateriell zugleich erscheinen lassen. Fließende Übergänge aus Farbe, Licht und Dunkelheit formen ein ephemeres Bild, das je nach Licht- und Raumverhältnissen anders erscheint. Die so angedeuteten Landschaftsräume stellen keine Bühne für Menschen dar. Sie enthalten keine Aufteilung in Vorder- und Hintergrund und keine Perspektive, die den Blick in die Tiefe führt. Stattdessen werden einzelne Naturphänomene (wie z.B. Wolken, Wasser, Licht oder Regen) zu den Protagonisten der Malerei und überziehen als solche die gesamte Bildfläche. Aufgrund der fehlenden Perspektivierung scheinen sich die Betrachter_Innen inmitten des dargestellten Geschehens zu befinden. Dieses lässt sich nicht wie gewohnt überblicken, und fordert stattdessen dazu heraus, sich als Teil eines größeren Ganzen zu verstehen; als Teil von Natur, nicht als ihr Gegenüber.

Die fotografischen Arbeiten zeigen ebenfalls Elemente von Natur, zumeist einen Mikrokosmos, wie z.B. Insekten oder die schimmernde Haut des Fischs. Die Motive werden mit hochauflösender Kamera fotografiert, die mehr „sieht“ als das menschliche Auge. Durch den Druck im großen Format werden Details sichtbar, die mit bloßem Auge leicht übersehen oder nicht erkannt werden können. So eröffnen die Nahaufnahmen einen ganz eigenen Kosmos, ein genaueres Hinsehen offenbart jedoch Interventionen des Menschen. In dem Versuch, die Grenzen konventioneller fotografischer Präsentationsformen zu erweitern, drucke ich auf unterschiedliche Materialien wie Acrylglas oder rohe Metallplat-ten. Die hierfür herangezogene Technik des UV-Drucks gibt die hellsten Stellen farblos aus, so dass Teile des Motivs, wie z.B. eine Transparenz oder eine metallische Reflexion real in das Bild integriert werden.

In den letzten Jahren bin ich folgenden Fragen nachgegangen: Wie wurden Naturgewalten in der Malereigeschichte dargestellt? Sind sie bloße Kulisse für den Menschen oder zentrales Motiv des abgebildeten Geschehens? Welche Ästhetik kann für das Naturbild im Anthropozän gefunden werden? Was ist das Erhabene heute? Und: Wie kann Natur, deren Teil wir sind, ins Bild gefasst werden, so dass die tradierte Vorstellung einer Trennung von Mensch und Natur durchbrochen wird?